Manuel Felguérez, el material concentrado y el geometrísmo sistémico.

Manuel Felguérez, “El día que murió Albers”, 1979. Diseño creado durante sus investigaciones de La máquina estética.

Manuel Felguérez Barra (1928-2020) fue un icónico artista visual mexicano de origen zacatecano. Feneció el pasado 8 de junio del presente año a la edad de 91 años. El histórico momento que estamos viviendo a nivel mundial a causa de la pandemia del coronavirus SARS-CoV-2 fue la causa de su fallecimiento. Terminó una prolífica carrera caracterizada por el compromiso y la exploración material. Con el presente texto no deseo hacer una semblanza o una escueta biografía como las que aparecen en los medios de comunicación cada vez que muere un personaje de la vida cultural de un país. Planteo hacer una revisión de su trabajo de manera un tanto más profunda. Criticó al nacionalismo mexicano tan promovido por el estado a lo largo del siglo XX. Realizó monumentales trabajos con escaso material o desecho industrial a la par de colaborar en trabajos efímeros exploratorios de la sensualidad y misticismo de la década de los años setenta; y manifestaba una constante presión para abarcar nuevas técnicas o maneras de generar arte: los principios de inteligencia artificial para generar diseños estéticos con la ayuda de una computadora. Hago una revisión de tres partes de su trabajo: El arte con material de desperdicio, su participación en el Teatro de Vanguardia y su colaboración para La Máquina Estética. y la sistematización para generar geometrísmo.

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Romper la ortogonalidad. Dos series de murales en conjuntos habitacionales de la Ciudad de México.

Nicandro Puente, “Tlatelolco, raíz y expresión de México”, 1997. Fotografía: Cuauhtémoc Islas

En el siguiente texto se abordan dos series de murales en la Ciudad de México. Estos conviven con el patrimonio arquitectónico habitacional de la capital complementando, incluso dando más vida al estilo Moderno de mediados de siglo XX.  Considero que deben de ser tomados en cuenta por su aportación estética y discursiva a sus edificios y por la trayectoria de los artistas.  Por una parte están los murales de Nicandro Puente Eguía en Tlatelolco al costado de la Planta de Tratamiento de Aguas Negras del Jardín La Pera, hay otro a un costado del edifico Molino del Rey y, el más visible si uno viaja en auto sobre la avenida Eje Central, a un lado del edificio Aguascalientes poco después de la Plaza de las Tres Culturas. Y por otra parte están los murales de el pintor José Hernández Delgadillo en el Conjunto Habitacional Morelos mejor conocido como “Los Soldominios” en la colonia Doctores. Sus historias han sido olvidadas por la ciudad, incluso hay vecinos que las ignoran. Figuras geométricas regulares, irregulares y otras formas estilizadas modifican la monotonía de los ángulos rectos. Los elementos plasmados buscan reforzar la idea de comunidad y da manera abstracta hacen recuentos de la historia de esta ciudad. Antes hay que hacer un breve repaso de la historia de los inmuebles en los que están adheridos.

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Viajar y dibujar. Encuentro con Margaret “Peggy” Herrick

Margaret “Peggy” Herrick, The taco vendor, 2018. Del diario de viaje de México. Imagen cortesía de la artista.

El domingo 6 de enero fui junto con mi novia a un café en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México. En un barra con vista a la calle esperábamos la carta para poder ordenar. Entonces llegó una señora extranjera de avanzada edad, se acercó a la barra y en idioma inglés me pidió si podía sostener la correa de su perrita para que ella pudiera entrar y sentarse a nuestro lado. Ella tenía problemas para comunicarse con los meseros al hablar muy poco español, así es que la ayudé como intérprete. Al principio cruzábamos pocas palabras pero al poco rato eso cambió. Ella era amigable así es que le dije que si le gustaría que le dibujara a su perrita. Mi idea era tomar una fotografía para después hacer un dibujo en casa y enviarle por correo electrónico la imagen, pero en cuanto dije que yo era artista visual ella sonrió y muy emocionada me dijo que ella también lo era. Felizmente sacó una gruesa libreta de papel algodón. Fue cuando empezó una charla con más confianza y la señora Margaret “Peggy” Herrick compartió un poco de su diario de viaje y dibujos.

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Seguimiento, exposición y venta. Bodega ACME.

Chavis Mármol, Me pidieron que me fuera

Salón ACME ha logrado consolidarse como una plataforma para exposición y venta de arte contemporáneo en Ciudad de México. Su principal evento se lleva a cabo en el mes de febrero, durante la llamada “Semana del Arte”. Meses antes abre una convocatoria para que artistas puedan ser seleccionados. Dentro de su misión, se comprometen a dar seguimiento a los participantes de ediciones pasadas, entonces surge la idea de Bodega ACME que invita a unos cuantos creadores para mostrar trabajo reciente. A lo largo del año hacen pequeñas muestras en su misma sede, Proyecto Público Prim. La primera edición se llevó a cabo en julio del presente año y este fin de semana, del 18 a 21 de octubre es el turno para otros 6 artistas.

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Fisicalidad intangible. Danza y arte digital mediante dispositivos VR. DUST.

Llega a Ciudad de México la obra de arte de experiencia inmersiva DUST de los eslovacos Mária Júdová y Andrej Boleslavsky. La pieza de aproximadamente 4 minutos de duración interna al espectador en un espacio para apreciar de manera diferente las artes performáticas y la danza. No es mirar desde lejos como en un auditorio o teatro, es transitar con nuestro propio cuerpo para acercarse a un mundo intangible que choca y cambia la percepción visual y corporal. Todo esto resultado de una investigación multidisciplinaria. Llega por corto tiempo gracias al Primer Foro Internacional sobre Creatividad, Arte y Cultura Digital, Connecting the Dots. A partir del jueves 20 de septiembre y hasta el domingo 23, puede experimentarse en el Laboratorio de Arte Alameda.

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El romanticismo del artista del siglo XIX. Gauguin, viaje a Tahití.

Paul Gauguin, Mujeres de Tahití, 1891. Imagen tomada de Europeana Collections, Musée d’Orsay

En el marco del 22 Tour de Cine Francés, se proyecta en nuestro país Gauguin, viaje a Tahití (Francia, 2017, Dir. Edouard Deluc) que cuenta la etapa más idealizada del artista, cuando en 1891 busca alejarse de la decadente y sucia civilización de occidente. “Aquí ya no hay nada que pintar”, dice en los primeros minutos del filme, refiriéndose a Paris . Los paisajes y el color de la selva, el salvajismo, pero sobretodo el amor de una joven local, son elementos retratados que formularán la inspiración para las telas y maderas más celebres. El filme en parte alimenta una concepción romántica que aún permea en la sociedad: El pintor, el artista que sacrifica y hace lo que sea necesario por el arte mismo.

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